Bio des intervenants aux Ateliers du Forum

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Le prochain rendez-vous avec les membres du Forum, les équipes R&D et artistes en résidence à l’Ircam, les professionnels et tous ceux qui aiment les innovations technologiques dans le domaine du son et de la musique 

Informations Générales

 

Juan Manuel Abras Contel

Juan Manuel Abras, est un compositeur reconnu mondialement, chef d’orchestre et musicologue (Theodor-Körner-Preis, TRINAC-ISCM-UNESCO, 2ème place au Wiener Filmmusik Preis, etc.). Les œuvres de Juan Manuel Abras ont été présentées lors d’éminents festivals internationaux (Warsaw Autumn, Gaudeamus Music Week, Festival MANCA, etc.) et événements (Stiftung Mozarteum Salzburg, Bimhuis-Muziekgebouw aan ‘t IJ, Teatro Colón, etc.). Elles sont actuellement intégrées dans 9 CD. Professeur à l’UNLa et au CSMCBA, chercheur à l’UCA, et membre des Österreichischer Komponistenbund, SEdeM, SADAIC, Juan Manuel Abras a été est un disciple de Krzysztof Penderecki et Kurt Schwertsik. Il a également étudié avec Karlheinz Stockhausen, Helmut Lachenmann, Wolfgang Rihm. Juan Manuel Abras a suivi des études supérieures dans diverses universités (University of Music and Performing Arts Vienna, Conservatorio di Musica Benedetto Marcello di Venezia, Academy of Music in Kraków, etc.) et a obtenu un doctorat en composition (UCA), en musicologie (UCM er UVa), un master en Musique Hispanique (USAL et UVa).

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Rémi Adjiman

Directeur du département SATIS (Sciences, Arts et Techniques de l’Image et du Son) de l’Université d’Aix-Marseille qui forme à un niveau Master dans 5 parcours (métiers de la Production et de la Réalisation, Prise de vue, Montage et Post-Production, Son à l’image et Musique pour l’image).
• Chercheur au sein du laboratoire PRISM
• Membre du CA de la Semaine du Son
• Membre du CA du PRIMI (cluster des entreprises de l’audiovisuel en PACA).
• Thématiques de recherches : les interactions image-son, la réception filmique dans le cours d’action de la projection et la qualification, la description et les usages des ambiances sonores dans l’audiovisuel, le cinéma et les jeux vidéo.

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Andrea Agostini

Andrea Agostini est un compositeur et chercheur en informatique musicale, co-développeur des librairies “bach” et “cage” pour Max, membre fondateur du collectif de compositeurs /nu/thing et professeur de musique électronique au Conservatoire de Turin.

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Nadir Babouri

Nadir Babouri est un membre actif du Forum de l’Ircam et un utilisateur des logiciels de l’institut où il a été formé par Alexis Baskind (Spatialisateur), Jean Lochard (Audiosculpt), Mikhail Malt (Open Music) , Benjamin Thigpen (MaxMsp), Nicolas Misdariis (Sound Design).

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Andreas Bergsland et Robert Wechsler

Les deux auteurs sont Andreas Bergsland, Professeur Associé, Technologie Musicale, à l’Université Norvégienne de Sciences et Technologie, et Robert Wechsler, chorégraphe, PDG de MotionComposer GmbH. Ensemble, ils ont présenté et publié lors de MOCO’2017, Guthman competition (lauréat du prix) 2016, NIME’2015, ICMC’2014, NYCEMF’2014, Concordia Univ.’2014.

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Aurélien Bertrand

Après un Brevet de Technicien du Son obtenu en 2008, Aurélien BERTRAND se porte vers les arts de la scène, en tant que comédien et musicien. Il en tirera un savoir faire important sur les processus de la création. Mais étant tombé dans les musiques issues du blues étant petit, force est de constater que son alto acoustique n’est pas suffisant pour se faire entendre à côté des guitares électriques, basses et batteries des scènes blues, funk et rock. Cependant, hors de question pour lui d’utiliser les violons électriques du marché. Le son lui semble manquer de tout ce qui constitue le caractère sonore d’un instrument à cordes frottées : subtilité du son de l’archet dans le spectre, variation de timbre en fonction de la nuance, légère hétérogénéité du timbre en fonction de la note jouée, etc… De guerre lasse, il embarque pour des études d’Officier à la Marine Marchande en 2014, cherchant d’abord à trouver une stabilité financière, comme nombre de ses contemporains. Il y restera pendant deux ans, pendant lesquels il se reconstituera des bases solides en mathématiques et en physique. Mais la musique le rattrape à l’automne 2015, lorsqu’il trouve une idée, permettant peut-être de fabriquer des violons électriques ayant un son au caractère proche du son original des violons acoustiques. Vont alors débuter de 2016 à 2018, deux années de recherche acharnée, vouées à se prolonger dans l’avenir, afin d’obtenir le quatuor électrique le plus proche de l’objectif visé.

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Denis Beuret

Compositeur, tromboniste, vidéaste, développeur informatique et improvisateur suisse, il est spécialisé dans la recherche sonore : techniques de jeu étendu du trombone basse et intégration de l’électronique en concert. Il a mis au point un trombone basse augmenté, muni de divers capteurs qui lui permettent de contrôler des programmes musicaux en fonction de ses mouvements et de son jeu. Etudes : 
Il a étudié la batterie, le trombone, l’informatique musicale, la direction et l’orchestration : Cours de batterie à l’EJMA, Lausanne 1985-86, Gaëtan Fama. Cours de trombone Delémont 1986-87, Jean-Jacques Orzan. Cours de trombone Delémont 1991-93, Michel Garcia. Certificat de trombone, La Chaux-de-Fonds 1995, Jacques Henry. Diplôme professionnel de trombone, Delémont 1998, Jannick Speisser. Direction et orchestration, Lausanne 1996-98, Pascal Favre et Jean Balissat. Masterclass de Guy Destanques 1986, Michel Becquet 1993, Dany Bonvin 1994, Werner Bärtschi 1994, Jean-Pierre Leguay 2003, Barre Philips 2006, Christophe Baumann 2009.Démarche
Sa manière de travailler et sa démarche musicale actuelle intègrent l’électronique live avec le jeu du trombone basse et se développent dans trois directions :D’une part, il explore le trombone basse dans toute sa tessiture de 5 octaves. Il intègre à son jeu les doubles sons, les formants ainsi des émissions du son et sourdines ordinaires et inédites. Il utilise en plus de l’embouchure du trombone, des becs et embouchures diverses (cor, tuba, saxophone, clarinette, flûte, contrebasson, …), dans l’esprit de Vinko Globokar. Toutes ces combinaisons lui permettent de varier les sonorités de son instrument comme personne ne l’a fait avant lui. D’autre part, il a développé un trombone basse augmenté qui est muni de capteurs, utilise des capteur externes et un pédalier MIDI pour contrôler des programmes musicaux tels que Max/MSP, OMax et Logic tout en jouant. Il programme des applications et des interfaces graphiques adaptés à son matériel et sa musique dans Max/MSP et Logic. Enfin il a mis au point diverses écritures graphiques adaptées à sa musique en s’inspirant des notations graphiques de Morton Feldman et Vinko Globokar. Ce qu’il réalise est une fusion du trombone basse dans un monde électronique où les sons du trombone sont transformés grâce à son imagination sans borne.

Beuret © Fabien Queloz

Per Bloland

Per Bloland est un compositeur dont le travail a été qualifié par le New York Times de « riche, caustique » et « irrésistible ». Il a reçu des prix et distinctions à l’Ircam, SEAMUS/ASCAP, Digital Art Awards of Tokyo, the Martirano Competition, and ISM. Un CD de son œuvre est disponible sur Tzadik.

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Julia Blondeau

Julia Blondeau (1986) est une compositrice de musique contemporaine mixte, instrumentale et électroacoustique. Elle est docteur en composition musicale du programme Ircam-Sorbonne Université-CNRS. Elle compose également des pièces pour le théâtre et s’intéresse à l’interaction entre écriture instrumentale et écriture “électroacoustique” dans un même espace d’expressivité. Julia Blondeau a commencé par des études de piano et de saxophone (Gap) puis d’analyse, d’écriture et de composition au CRR de Lyon. Elle entre en 2007 au CNSMD de Lyon dans les classes de composition de Denis Lorrain et François Roux. Elle obtient son doctorat de composition à l’Ircam en 2017, dans l’équipe Représentations Musicales (directeurs de recherche : Jean-Louis Giavitto (CNRS) et Dominique Pradelle (Paris Sorbonne, Philosophie) et travaille notamment sur le langage Antescofo et les nouvelles possibilités d’écriture de l’électronique qu’il implique entre 2013 et 2017. Elle est résidente à la Cité Internationale des Arts de Paris de juillet 2013 à juin 2015. En 2014, elle participe à l’Académie Manifeste de l’Ircam ainsi que le Summer Composition Institute de Harvard aux Etats-Unis. Elle reçoit des commandes de Radio France, du Wittener Tage Für Neue Kammermusik, du Festival Musica (“Tesla ou l’effet d’étrangeté”), des Percussions de Strasbourg (“Théâtres d’ombres”), du GMEM (Festival “Les Musiques” pour “Sortir du noir”) ou encore de Françoise et Jean-Philippe Billarant pour sa pièce “Namenlosen” créée à la Philharmonie de Paris en juin 2017 pour le festival Manifeste 2017. Julia Blondeau a travaillé avec l’Ensemble Intercontemporain (2017), l’ensemble Court-Circuit (2018), l’ensemble Talea (2014), l’ensemble Insomnio (2016-2017), l’ensemble XX-21 (2014) et avec les interprètes Christophe Desjardins et Séverine Ballon. Les projets futurs incluent des collaborations avec Philippe Hattat (2018), Hae-Sun Kang (2019), Sarah Maria Sun et des solistes de Musikfabrik (Witten 2019) et le Quatuor Diotima. Elle sera en résidence à Snape Maltings (Angleterre) en 2018.

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Alain Bonardi

Alain Bonardi est compositeur, chercheur et réalisateur en informatique musicale. Il développe sa recherche-création en musique mixte. Il travaille actuellement à un cycle de douze pièces pour piano et électronique temps réel -intitulé Pianotronics qui interroge les relations entre ces deux mondes sonores. Depuis 2016, il aborde l’univers de la guitare et de la musique temps réel avec Fil de Soi. En 2012 paraît le CD Liszt Voyageur (Intrada) enregistré par la pianiste Emmanuelle Swiercz, pour lequel Alain Bonardi compose trois pièces en commentaire d’œuvres de Liszt. Sa musique est jouée en concert par de nombreux artistes comme Pauline Buet, Geoffroy Couteau, Franco Venturini, Emmanuelle Swiercz, etc. Il est également actif dans le domaine de la production de concerts, participant à la direction artistique de l’ensemble Entretemps (1994-1998) et des concerts de musique de chambre Cantabile (2010-2015). Alain Bonardi est Maître de Conférences Habilité à Diriger des Recherches en informatique musicale au Département Musique de l’Université Paris 8, membre de l’Equipe d’Accueil EA 1572 : Esthétiques, musicologie, danse et créations musicales. Il est chercheur associé à l’IRCAM, dans l’équipe Analyse des Pratiques Musicales. Il développe une intense activité pédagogique sous la forme de résidences de compositeur et de workshops d’informatique musicale (Conservatoire de Vilnius en 2008, Conservatoire de Bayonne entre 2009 et 2014, Toho Gakuen Music School à Tokyo en 2014).


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Øyvind Brandtsegg

Øyvind Brandtsegg est un compositeur et interprète travaillant dans les domaines de l’improvisation algorithmique et des installations sonores. Ses instruments principaux en tant que musicien sont le synthétiseur de particules Hadron, ImproSculpt et Marimba Lumina. Hadron est un synthétiseur granulaire en temps réel très flexible, largement utilisé dans la conception sonore expérimentale avec plus de 200.000 téléchargements de la version VST / AU. Brandtsegg l’utilise pour le traitement en direct du son acoustique d’autres musiciens. En tant que musicien et compositeur, il a collaboré avec un certain nombre d’excellents artistes, par ex. la Oslo Sinfonietta, Motorpsycho, l’Orchestre de jazz de Trondheim, Zeena Parkins, Maja Ratkje. En 2008, Brandtsegg a terminé son projet de recherche artistique équivalent au doctorat, axé sur l’improvisation musicale avec des ordinateurs. Øyvind a donné des conférences et des ateliers sur ces thèmes aux Etats-Unis, en Allemagne, en Irlande et en Norvège. Depuis 2010, il est professeur de technologie musicale à NTNU, Trondheim, en Norvège. Actuellement, il fait de la recherche sur le traitement cross-adaptatif pour la performance en direct, en collaboration avec une équipe internationale de chercheurs du Royaume-Uni, des États-Unis, de Hollande et de Norvège.

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Richard Albert Bretschneider

Richard est consultant expert et travaille à l’international comme compositeur. Après des études dans le domaine de l’interaction homme-machine à l’Université technique de Rhénanie-Westphalie à Aix-la-Chapelle et à l’Université de Cadix, il  a joué un rôle clé dans les processus UX pour les applications mobiles et sites internet. Ses dernières conférences ont eu lieu au HCI à Los Angeles et à l’université du Sussex.

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Maurilio Cacciatore

La musique de Maurilio Cacciatore découle d’une combinaison d’instruments acoustiques avec des outils pour la musique numérique. Il intègre également des objets électromécaniques et utilise diverses ressources d’informatique. Il en résulte une texture complexe, multicouche, présentant sur la surface des instruments classiques et de l’électronique, tout en contenant un noyau interne de techniques hybrides et non conventionnelles. Au-delà du standard conventionnel de la spatialisation, les installations de haut-parleurs de Maurilio Cacciatore explorent des solutions non-codées qui intègrent le matériel et le logiciel dans divers contenus musicaux. La dimension théâtrale de ses œuvres tend à intégrer les aspects visuels et la musique dans la partition, en cherchant une amélioration de la communication entre les acteurs sur scène. Il a été compositeur en résidence aux Studios de l’Ircam, au ZKM, au Muse en Circuit de Paris et au Elektronisches Studio Basel. Il a été l’élève de Fabio Cifariello Ciardi et Ivan Fedele,. Il prépare actuellement un doctorat à l’Université Catholique de Porto et à l’Académie de Musique de Bâle sous la direction d’Erik Oña. Il est professeur de composition électroacoustique au Conservatoire de Castelfranco Veneto (Italie). En 2010, il a obtenu le “G. Petrassi “Prix du Président de la République d’Italie; En 2012, il a remporté le premier prix du concours international de composition “Premio Trio di Trieste”. En 2016, il a été nominé par RadioRai3 (Italie) pour la Tribune internationale des compositeurs. En 2017, il a reçu le Giga Hertz Produktion Preis du ZKM | IMA de Karlsruhe. Il a commencé en tant que professeur invité pour démarrer le premier cours de musique électronique du Mozambique au Conservatoire de Musique et d’Art Dramatique de Maputo. Maurilio est actif en tant que compositeur, professeur et chercheur en Europe, en Asie, en Amérique du Nord et en Australie. Sa musique est publiée par l’Edizioni Suvini Zerboni, Milan.

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René Caussé

Chercheur émérite dans l’équipe S3AM* de l’UMR STMS Ircam-Cnrs, René Caussé poursuit des recherches sur l’étude du fonctionnement des instruments de musique, quelle que soit leur origine ou leur époque comme ici, avec l’étude des trompes de Pompéi, dans l’ancien monde méditerranéen.Ces études permettent d’enrichir nos connaissances sur les multiples processus d’oscillation, de rayonnement, de facture mais également sur le problème de l’interface entre l’instrument et celui qui le joue ainsi que sur le lien étroit entre les potentialités acoustiques et les musiques qui leur sont rattachées.Le côté applicatif est avant tout musical avec le développement de logiciels de synthèse dite par modélisation physique et avec une contribution à l’innovation dans le domaine de la facture des instruments de musique. Dans le cas si particulier des instruments de l’antiquité, ces recherches apportent également un éclairage acoustique, bien souvent inexistant, à l’archéologie des instruments de musique.* S3AM : Systèmes et Signaux Sonores : Audio/Acoustique, instruMents

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Peter Connelly

Peter’s career within the video games industry started out in 1995 and has since been employed at various levels of expertise including Music Composer, Sound Designer, Audio Lead and Audio Manager. His musical and sound engineering background spans 4 decades and has composed sound tracks and created sound effects for many AAA titles including Driver: San Francisco, Herdy Gerdy, Fast n Furious: Tokyo Drift and the legendary Tomb Raider series of which the Angel of Darkness sound track was performed by the world renowned London Symphony Orchestra at Abbey Road Studios. Peters most recent projects, as both Audio Lead and Composer, includes two of Ubisofts most highly anticipated releases in years Watch_Dogs and The Crew.

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Violeta Cruz

Compositrice colombienne, née en 1986 à Bogota, Violeta Cruz a fait ses études d’abord à l’Université Javeriana en Colombie, en suite au Conservatoire National de Paris, en France. Le travail de Violeta Cruz inclut des pièces instrumentales, électroacoustiques et des objets sonores (espèces de machines mécaniques dont le comportement sonore est prolongé par un dispositif électroacoustique). Un des sujets qui traversent ces trois types de pièces est le rapport entre son et matière. Dans le contexte des pièces instrumentales ce sujet se traduit dans un travail sur la texture musicale (le rapport entre les couches qui composent un tout sonore). Dans le cas des objets sonores, elle s’intéresse particulièrement aux matières élémentaires, présentes dans la vie de tous les jours mais qui ont depuis toujours eu leur place dans la sphère du mystique de l’humanité, tels que l’eau et la lumière. L’intérêt de Violeta Cruz pour amener la musique contemporaine au delà du public habituel la conduit à participer à des projets artistiques et culturels de territoire, en collaboration avec des ensembles comme le Chœur Accentus et l’Ensemble Ars Nova. La musique de Violeta Cruz a été jouée dans des festivals tels que Fabbrica Europa en Italie, FIMCC en Pérou, Festival Musique de Notre Temps en France et le Festival National de Musique Contemporaine en Espagne; et par des ensembles tels que l’Orchestre Symphonique de Caldas, l’Orchestre Symphonique de Colombie, l’Ensemble Court-Circuit, le Prime Ensemble et le Duo Atyopsis. Son opéra La Princesse Légère, commande de l’Opéra Comique, a été créé en 2017 à l’Opéra de Lille.

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Thomas Deuel

Thomas Deuel est neuroscientifique, musicien, artiste sonore et neurologue. Son travail combine ses intérêts et ses compétences professionnelles dans la compréhension de la physiologie du cerveau avec ceux de la composition musicale et de l’art sonore, afin de permettre aux patients paralysés de créer à nouveau de la musique pour guérir.

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Jan Dietrich

Jan Dietrich Artiste, Designer, Instrument Maker. Partenaire chez MAUPI experience design Hamburg, Vienne. Après sa formation et son travail en tant qu’organisateur d’harmonium et d’orgues à Hambourg, Jan Dietrich a étudié la conception de produits et de procédés à l’University of Arts de Berlin où il a rejoint le programme préliminaire du cours Master SoundStudies. Il a terminé ses études en 2006 avec des travaux sur le thème “Product, Space & Sound”. En 2005, avec Angelo D’Angelico, il fonde “Acoustic Consult”, une société de design avec des projets pour Bahlsen, Warsteiner et Mars sur le son des biens de consommation. En tant que Manager Sound Design chez Products & Innovation chez Deutsche Telekom, il a été responsable du développement du Sound Styleguide pour les interfaces et le hardware de 2009 à 11. En tant que partenaire du design d’expérience MAUPI, il gère des projets de sons et d’interfaces. En qualité de conférencier, depuis 2006, il donne régulièrement des ateliers et des séminaires sur le «design invisible» dans des universités telles que l’Université des Sciences Appliquées de Vienne, le HCU de Hambourg ou l’Université de Wuppertal. Depuis 2016, en commençant par la performance LTE Babylon, Dietrich travaille également sur des projets artistiques indépendants. Jan Dietrich est né en 1972 à Wedel, en Allemagne.

Dietrich © Maiwolf Photography

José Eduardo Fouilloux

Eduardo is a visual thinker with a technical flair and strong international experience. While his specific responsibilities are focused on the front-end design, he’s got his hands on all aspects of product development. He co-founded decochon in order to realize his many ideas and to have fun making novel and powerful interactive experiences in the company of friends. “it is hard to understate the potential impact of interactive VR experiences. We just want to contribute to the revolution!”

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Pedro Garcia-Velasquez

Compositeur colombien né en 1984, Pedro Garcia-Velasquez commence par l’étude du violon puis étudie la composition à l’Université Pontificale Javeriana de Bogota dans la classe de Harold Vasquez-Castañeda où il obtient son diplôme de composition en 2006 avant de poursuivre ses études en France. Il intègre tout d’abord la classe de Jean-Luc Hervé, au CRR de Boulogne- Billancourt avant d’intégrer, en 2008, la classe de Frédéric Durieux au Conservatoire de Paris (CNSMDP) d’où il est diplômé en composition. En 2008, il fonde avec Alphonse Cemin, Maxime Pascal, Juan-Pablo Carreño et Florent Derex l’ensemble Le Balcon en résidence à la Fondation Singer-Polignac et à L’Athénée Théâtre Louis Jouvet. Ensemble, ils cherchent à développer un nouveau concept de concerts de musique contemporaine et mènent une réflexion sur la création musicale, le spectacle et le rapport au public. Ce projet lui permet également de travailler avec d’autres compositeurs et personnalités tels que Michaël Levinas, Claude Ledoux, Pierre Boulez et Kathinka Pasveer. Parmi ses pièces récentes, Pedro Garcia-Velasquez créé, en janvier 2014, Moro de Venecia, concerto pour violoncelle, orchestre de chambre et électronique à l’Orchestre National de Lille. En dehors de ses projets purement musicaux, Pedro Garcia-Velasquez s’intéresse aux arts scéniques et développe depuis quelques années un nouvel univers en tissant des collaborations fidèles avec le metteur en scène et vidéaste Nieto, le metteur en scène Benjamin Lazar et la chorégraphe Tatiana Julien. En juillet 2012, il créé Plip, pour ensemble sonorisé et mise en scène vidéo au festival Paris Quartier d’été. Inspiré d’\”Utopía de un hombre que está cansado\” de J.-L. Borges, Plip, avec une mise en scène vidéo réalisée par Nieto, développe l’idée du dédoublement du monde du concert.  En octobre 2014, une deuxième version de Plip est créée au Théâtre de Cornouaille – Scène nationale de Quimper. Avec la chorégraphe Tatiana Julien, il co-écrit, en février 2013, Douve, trio de danseuses & musique pour orchestre de chambre et électronique au festival Faits d’hiver. Une collaboration qui se poursuit avec Ruines, solo de danseuse et musique pour ensemble et électronique, créé à L’Espace des arts – scène nationale de Chalon-sur-Saône. En décembre 2014, il entame une nouvelle collaboration avec le metteur en scène Benjamin Lazar qui signe la dramaturgie et la mise en scène sonore du spectacle Théâtre acoustique I : Lieux Perdus, concert au casque, pour ensemble sonorisé, électronique et écoute binaurale créé à la Fondation Singer-Polignac. En pénétrant des lieux en ruines incarnés par le son, la pièce raconte une errance vers un passé lointain. La technique binaurale, développée avec Augustin Muller, offre une expérience intime et immersive à l’auditeur. Il plonge dans des dimensions aux abords du réel. Dans la continuité de cet imaginaire et de ses réflexions sur la dramaturgie acoustique, Pedro Garcia-Velasquez a écrit , Théâtre acoustique II : fête dans le vide, pour la chanteuse Léa Trommenschlagen créé en mars 2015 à L’Athénée Théâtre Louis Jouvet, avec l’ensemble Le Balcon. Il travaille actuellement sur Arioso, opéra chorégraphique.

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Marta Gentilucci

Marta Gentilucci a étudié le chant lyrique en tant que soprano au Conservatoire de Pérouse (IT); là elle a obtenu aussi son Master en littérature anglaise et allemande. Elle étudie la composition au Conservatoire de Florence, puis s’installe en Allemagne, où elle complète son Master en composition et en composition / musique assistée par ordinateur à l’Université de Musique de Stuttgart sous la direction de Marco Stroppa. Elle a été sélectionnée pour le programme de deux ans en informatique musicale à l’Ircam à Paris (Cursus1 et Cursus2). Elle a complété son doctorat en composition à l’Université Harvard sous la direction de Chaya Czernowin et Hans Tutschku. Elle a été en résidence à l’Experimentalstudio des SWR de Fribourg et au studio électronique de l’Akademie der Kunste à Berlin (DE). Sa musique électronique a été sélectionnée pour SICMF 2012 (Corée); nycemf 2013 et 2015 (New York); ICMC 2011 (Royaume-Uni), ICMC 2013 (AU), ICMC 2014 (GR), où elle a décerné la meilleure musique étudiante de l’ICMA, ICMC 2015 (Texas, États-Unis) et ICMC 2017 (Shanghai, CHN). Sa musique a été interprétée en Italie, en France, en Grèce, en Allemagne, en Corée, au Japon, aux Etats-Unis et au Royaume-Uni par des ensembles comme Wind-Soloist, l’Orchestra Nazionale RAI, Ensemble Surplus, Ensemble Ascolta, solistes de Neue Vocalsolisten, ensemble cros.art, solistes de Ensemble Intercontemporain, Les Cris de Paris, Quatuor Jack, Quatuor Chiara, Ensemble L’Arsenale, Hand Werk, Ensemble Nikel, Ensemble Elision, Promenade Sauvage, Dal Niente et Contrechamps. Récemment, elle a reçu la Mention d’honneur du Prix Mivos / Kanter pour le quatuor à cordes Proof Resilience. En 2015, elle a travaillé sur une nouvelle œuvre pour grand ensemble et Live-Electronics en collaboration avec l’Ircam et l’Ensemble Contrechamps. Elle a été sélectionnée pour écrire un mini-opéra pour le Darmstadt Staatstheater et elle a remporté le deuxième prix du Staatstheater Darmstadt. Elle a été en résidence pour le Programme de Résidence en Recherche Artistique à l’Ircam en 2017 avec un projet sur la voix et ses techniques étendues.Parmi ses projets à venir, la composition d’une nouvelle pièce pour ensemble pour le Festival VERTIXE SONORA en Espagne, et une nouvelle pièce pour soprano sera créée à l’Université Mozarteum de Salzbourg (AU). En 2018, elle sera en résidence à l’Experimentalstudio des SWR de Freiburg pour travailler sur une nouvelle pièce.

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Rama Gottfried

Le travail récent du compositeur et artiste sonore Rama Gottfried vise à magnifier la pléthore de détails qui relient les humains aux ordinateurs, instruments, plantes, insectes, amphibiens, architecture et autres entités et espaces animés et inanimés qui nous entourent. Au cours de ses récentes études de doctorat à l’Université de Californie à Berkeley, il a étudié la composition avec Franck Bedrossian et la musique assistée par ordinateur avec Edmund Campion et David Wessel au Centre des nouvelles technologies de la musique et de l’audio (CNMAT). Auparavant, il a complété des études à l’Universität der Künste de Berlin, à la Manhattan School of Music et à l’Université de New York. Il a présenté des pièces au Festival Mostly Mozart du Lincoln Center, au MaerzMusik, au SPOR, au Cycle, au MATA, au Klangwerkstatt, au ICMC, au Wet Ink et aux festivals Machine Project / Hammer Museum, ainsi qu’au Berliner Congress Center, Complice, Mino Washi Paper Museum, Stadtbad-Wedding, and Pacific Basin Building. En 2002, il rejoint l’Ensemble Pamplemousse où il collabore pendant de nombreuses années dans la musique électroacoustique et la fusion du son, de l’installation et des arts de la performance. En 2012, Rama Gottfried était en résidence à l’IRCAM en collaboration avec l’équipe Acoustic and Cognitive Spaces sur les applications esthétiques de Wave Field Synthesis (WFS) et Higher Order Ambisonics (HOA). En 2017-18, il a été en résidence à l’IRCAM et au Zentrum für Kunst und Medientechnologie (ZKM), travaillant sur la notation et les systèmes de performance audio / visuelle pour le mouvement spatial.

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Suguru Goto

Suguru Goto travaille à l’IRCAM depuis 1995 et y a développé Virtual Musical Instruments. Il est professeur associé à l’Université des Arts de Tokyo. Artiste des médias, un inventeur et étant l’un des plus innovants, est considéré comme le porte-parole d’une nouvelle génération d’artistes japonais. Il est très lié à l’expérimentation technique dans le domaine artistique et à l’extension des potentialités existantes dans les relations homme-machine. Dans ses œuvres, les nouvelles technologies se combinent dans des installations interactives et des performances expérimentales. Il est l’inventeur de ces «instruments de musique virtuels», ayant créé une interface pour la communication entre les mouvements humains et la technologie numérique, où les images sonores et vidéo sont contrôlées en temps réel via des ordinateurs par des instruments de musique virtuels. Il a été actif au niveau international et a reçu de nombreux prix et bourses, tels que le prix Koussevitzky, les bourses BSO, le premier prix à la Marzena, Berliner Kompositionaufträge, un prix de la Tribune internationale des compositeurs de l’UNESCO à Paris, DIRECAM, ministre français de la culture , Music Theatre Award 2008 à Berlin, “Prix OFQJ-danse et nouvelle technologie” au Bains Numérique # 4, Festival international d’art numérique d’Enghein-Les-Bains, en France, en 2009, Prix du Prix d’honneur électronique Sonority, FILE PRIX LUX , au Brésil, en 2010, lauréat de l’Action Sharing 2, en Italie, en 2011, le 2e prix du Concours international d’art cinétique KAO 2013, Prix Ars Electronica 2013 Musiques numériques & Art sonore | Mention honorifique et ainsi de suite. Ses œuvres ont été jouées dans de grands festivals, tels que Resonaces / IRCAM, Sonar, ICC, Maison des cultures du monde, ISEA, NIME, Festival AV, Festival STRP 2009, Biennale de Venise, etc.

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Jan-Marc Heckmann

Combining years of practice-based experience and research, Jan-Marc has delivered successful projects for clients spanning across urban planning, retail and entertainment industries. Jan-Marc is our technical powerhouse. An obsessive learner, he spends much of his time researching and perfecting his craft. When not playing with procedural graphics and simulation, he is outdoors, backpacking, rock climbing, and growing his awesome caveman-style beard. “Virtual reality seems to be naturally intuitive for most users. Unlike traditional computer interfaces. In VR, people can use the same motions and expressions that they use in real life, which makes for a much more direct and much more intimate interaction. ”

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Emmanuel Jourdan

Né en 1980, Emmanuel Jourdan débute la clarinette à l’âge de huit ans puis suit des études d’informatique musicale, de direction d’orchestre et de composition à l’Ecole nationale de musique de Montbéliard et au conservatoire de Besançon. Il obtient plusieurs prix en clarinette, informatique musicale, composition assistée par ordinateur et musique de chambre. En 1997, la Sacem lui octroie une bourse de composition assistée par ordinateur pour la pièce Choral. De 1998 à 2001, parallèlement à ses études de musicologie, il enseigne la clarinette et se produit avec plusieurs orchestres amateurs comme clarinettiste. En 2001, il entre à l’Ircam où il est chargé d’animer les ateliers d’informatique musicale destinés aux jeunes et aux professeurs de musique. Il participe également au développement du projet Musique Lab 1 avec l’Education nationale. A partir de 2003, il est réalisateur en informatique musicale chargé de l’enseignement et enseigne particulièrement MaxMSP/Jitter. Après 15 années passées à l’Ircam, il rejoint la société Antescofo pour collabore au développement d’une application d’intelligence artificielle pour les musiciens classiques. Depuis 2006, parallèlement à ses activités en France, il participe au développement de Max pour la société californienne Cycling ’74, il a notamment réalisé l’ensemble des développements graphiques pour Max for Live (Cycling ’74/Ableton).

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Knut Kaulke

Composition, production et performance live de musique électronique expérimentale axée sur Sound Design. Membre du collectif GreenWoman de Malcolm Braff -conférencier d’ateliers et de séminaires de design sonore Doctor of Science. Thèse de doctorat scientifique, Universitätsklinikum Carl Gustav Carus, Dresde (Allemagne) – Organisation de projets de recherche et recherche expérimentale sur le rôle et la fonction des ARN non codants (microARN) dans le cancer de la prostate – Conférences scientifiques internationales. Organisation d’événements interdisciplinaires. Visual programming workshop’, Dresden Audio Visual Experience (DAVE)-Festival 2015
-Panel: ,The role of the future in electronic music’, International Cities of Advanced Sound (ICAS)-Festival 2015
- Events: ,SPECTRA’ and , Light Stage’ – soirée de concert audiovisuel soutenue par la fondation culturelle Saxe (Allemagne), DAVE-Festival 2015/16/17

Kaulke

Karolina Kotnour

Artiste / architecte / réalisateur / chercheur Karolína Kotnour est une architecte-artiste dédiée à une production architecturale spatiale et audiovisuelle. Dans ses projets et installations, elle relie des structures architecturales et sonores. Elle comprend l’espace comme un moyen commun de variation du son et de l’architecture. Dans ce contexte, elle définit l’espace et sa compréhension. L’espace évolue au fil du temps, parallèlement et confrontations et réflexions mutuelles. L’humain et son empreinte acoustique dans l’espace jouent un rôle important dans son travail. Elle observe la présence de «trous acoustiques» dans l’espace et la transformation des vibrations sonores dans leur environnement. Par conséquent, elle compare ces effets par rapport aux circonstances de l’origine des “trous structurels”. Elle comprend à la confrontation réciproque des ondes sonores comme est un contour libéré de l’espace. Ph.D. chercheur au studio FLOW de la faculté d’architecture de la CTU à Prague, sa recherche associe le design sonore, l’architecture et les neurosciences. Elle explore le son et l’espace et l’expression tangible du son et de l’espace dans les formes d’architecture générées. Actuellement elle recherche des possibilités et des connexions dans ces deux domaines artistiques ainsi que dans celles des chercheurs travaillant à la limite du design sonore et spatial et de la technologie Brain-Computer Interface / BCI /.

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Sahin Kureta

Après des études de physique à l’université d’Ankara (2002-2006) et de composition à l’université technique de Yildiz, Istanbul (2009-2013), je travaille avec des compositeurs du Istanbul Composer’s Collective, dont Emre Dundar, Mehmet Ali Uzunselvi et Mithatcan Ocal, depuis de nombreuses années. Je leur ai fourni de petits logiciels, des correctifs OM, des correctifs Max / MSP, des scripts Python, etc. J’ai aussi aidé mes collègues en tant qu’ingénieur d’enregistrement, de mixage et de mastering. J’ai également composé pour les chaînes de télévision turques.

Kureta

Robert B. Lisek

Robert B. LISEK est un artiste, mathématicien et compositeur qui se concentre sur les systèmes et les processus (informatique, biologique, social). Il est impliqué dans le nombre de projets axés sur les stratégies d’art radical, l’hacktivisme et les médias tactiques. S’appuyant sur l’art conceptuel, l’art logiciel et les méta-médias, son travail défie intentionnellement la catégorisation. Pionnier de l’art basé sur l’intelligence artificielle et l’apprentissage automatique, Robert Lisek est aussi un compositeur de musique contemporaine, auteur de nombreux projets et partitions sur l’intersection de la musique spectrale, stochastique, concrète, musica futurista et du bruit. Il mène une recherche dans le domaine des fondements des mathématiques et de l’informatique. Il s’intéresse particulièrement à la théorie des ensembles ordonnés, la logique, l’algèbre, la théorie des catégories en relation avec l’intelligence artificielle et l’apprentissage automatique. Robert Lisek est l’un des fondateurs de l’Institut de recherche en science et en art, du Laboratoire de recherche fondamentale et du Symposium d’art ACCESS. Auteur de nombreuses expositions et concerts, entre autres: QUANTUM ENIGMA – ZK <Karlsruhe, Harvestworks Center New York et STEIM Amsterdam; MOTEURS TERRORISTES – Centre WORM Rotterdam, Insécurité Sécurisée – ISEA Istanbul; DEMONS – Biennale de Venise (événements d’accompagnement); Manifeste contre Manifeste – Château d’art contemporain Ujazdowski, Varsovie; NGRU – FILE, Sao Paulo; NEST – ARCO Art Fair, Madrid; Float – DMAC Harvestworks et Lower Manhattan Cultural Council, NYC; WWAI – Siggraph, Los Angeles; Falsecodes – Galerie Red Gate, Beijing; Gengine – National Gallery, Varsovie; Flextex – Musée byzantin, Athènes, FXT-ACA Media Festival, Tokyo et ISEA, Nagoya.

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Marco Liuni

Resarcher and computer music designer, my activity spans applied mathematics and computer science focused on audio signal processing. My PhD (IRCAM / University of Florence) dealt with automatic adaptive algorithms for audio analysis/synthesis, while my current postdoc position is about audio processing applications to cognitive neuroscience (CREAM project, Perception and Sound Design team). Since 2016 I have the opportunity to emerge from the R&D labs at the -2 floor, to work with composers attending IRCAM’s cursus program, as a computer music designer with teaching charge (RIMce, Education & Cultural Outreach department). As a computer music designer, my personal projects and collaborations involve electronics, electroacoustic and mixed (instruments and electronics) works, as well as development of real-time audio applications for music processing and interactive multimedia installations.

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Daniel Mancero Baquerizo

Daniel Mancero Baquerizo (Équateur, 1983) est compositeur, pianiste de jazz et réalisateur en informatique musicale. Depuis 2015, il fait partie des laboratoires de recherche du Centre de recherche Informatique et Création Musicale CICM, ainsi que du laboratoire Musidanse de l’Université Paris VIII, où il développe sa thèse de recherche-création sous la direction de Alain Bonardi et Makis Solomos. En 2017, étant sélectionné en tant que compositeur dans le projet « musique à l’encre fraiche » , il publie « Turgescences » pour mandoline, guitare et flûte (commande de création CDMC — Ariam Île-de-France). Parallèlement, son œuvre « Estambre Urdido », pour ensemble de cinq percussionnistes, est sélectionnée et primée dans le « XIII Festival Ecuatoriano de Música Contemporánea » à Quito. En 2013, il est invité en tant que compositeur et pianiste au « Festival International Jazz à Vienne » ainsi qu’au « Festival Iberoamericano de Música — Uruguay 2013 ». En 2011 paraît l’album « Yangana », pour lequel il compose treize pièces de musique équatorienne contemporaine. Avec son groupe Mancero Trio, il est sélectionné pour représenter l’Équateur dans le concert d’ouverture du « Festival Internacional Ecuador Jazz 2011 » conjointement avec le groupe John Scofield Quartet. Entre 2007 et 2009, il participe à la
direction artistique du trio de jazz Rarefacción (palmarès dans le « Festival Internacional de Jazz de la Habana 2008 »), et du projet de musique Kichwa « Shuk Shimi Waranka Shimi », de Mariela Condo. Entre 2004 et 2017, il publie quinze albums indépendants en tant que pianiste, directeur musical, arrangeur et compositeur.

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Alexander Mihalic

Compositeur de formation, il poursuit ses travaux dans deux domaines distincts et complémentaires. D’un côté, l’exploration du réel à travers le son et l’acoustique – sonification. De l’autre, le développement de solutions pour les musiques mixtes en créant un nouvel instrument électronique – Sampo.

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Augustin Muller

Après des études musicales (percussions classiques, jazz et musiques improvisées) et scientifiques, Augustin Muller a été formé au Conservatoire de Paris (CNSMDP) dont il est sorti diplômé de la Formation Supérieure au Métiers du Son en 2010. Spécialisé dans la réalisation informatique musicale, il travaille depuis en France et à l’étranger avec différents artistes, ensembles (le Balcon, l’Ensemble Intercontemporain, International Contemporary Ensemble, 2e2m, l’Orchestre de Chambre de Genève … ) pour des concerts et des festivals (Manifeste IRCAM, Biennale musicale de Venise, Musica, Festival Berlioz …). Issu d’une génération directement confrontée à la question de l’interprétation du répertoire mixte, il a réalisé son mémoire de Master à l’IRCAM sur ce sujet. Il y travaille depuis régulièrement pour des projets de concerts, de recherche ou de créations. Augustin a travaillé avec de nombreux compositeurs (M Levinas, P. Garcia-Velasquez, R.HP Platz, JP Carreño, L. Durupt, F. Bedrossian …), musiciens et performeurs et s’implique dans plusieurs projets au niveau de la diffusion sonore, de l’électronique et des nouvelles technologies, comme par exemple avec l’ensemble Le Balcon depuis 2008. En 2014, il a notamment réalisé la partie électronique et le design sonore de l’opéra Le Petit Prince de Michael Levinas d’après St Exupéry pour l’Opéra de Lausanne , l’Opéra de Lille et le Théâtre du Châtelet. Ancien élève de la classe d’improvisation générative du CNSMDP, Augustin travaille également avec de nombreux improvisateurs (ONCEIM & Stephen O’Malley, Frederic Blondy, Eve Risser, Jean-Luc Guionnet …) pour des projets discographiques ou de concerts (festival METEO, CRAK …)

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Garth Paine

Garth Paine est professeur de son numérique et de médias interactifs à la School of Arts Media and Engineering and Digital Culture de l’université d’État de l’Arizona. Garth Paine a créé des environnements interactifs où le public, par sa présence et son comportement, génère le paysage sonore. Il a composé plusieurs œuvres pour la danse générées par captation vidéo et biodétection en temps réel. Il reçoit un Green Room Award pour la créativité exceptionnelle de son œuvre Escape Velocity (Company in Space), et a été finaliste pour la meilleure partition pour danse contemporaine en 2014. Son travail a été présenté dans le monde entier et, plus récemment en Australie, aux États-Unis, en Corée et en Europe des performances pour percussion et live électronique, pour instruments à métaux résonnants, pour suivi de mouvements dansés ou pour robots jouant de bols tibétains chantants. L’étendue de sa pratique musicale s’exprime à travers sa recherche sonore traitée comme matériau. Garth Paine a fondé et dirigé le Virtual Interactive Performance Research environment (VIPRe). Il est considéré comme un innovateur dans le domaine de l’interaction de la musique expérimentale et son interprétation. Son parcours d’étude s’étend de la direction de la Taxonomy of Interfaces for Electronic Music performance (TIEM), des projets avec McGill et le EMF comme partenaires, la production d’une base de données en ligne pour le NIME, des articles sur l’interaction. Sa présentation au keynote du NIME 2016 a esquissé un cadre pour la conception d’instruments numériques.

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Emanuele Palumbo

Emanuele Palumbo (Italie, 1987) étudie la composition au conservatoire de Milan puis au Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris dans la classe de Gérard Pesson. Il reçoit l’enseignement d’Hèctor Para dans le cadre des cursus 1 & 2 du cursus de composition et d’informatique musicale de l’Ircam. Il participe à de nombreuses master classes auprès de compositeurs comme Francesco Filidei, Franck Bedrossian, Pierluigi Billone, Stefano Gervasoni, Raphaël Cendo et Mark Andre. Ses œuvres ont été jouées par l’Ensemble Linea, l’Ensemble Multilatérale, le MDI Ensemble, l’Ensemble Talea, ainsi que par des solistes comme Alfonso Alberti et Christophe Mathias, et diffusées sur France Musique. Dans sa musique, il crée des structures temporelles musicales à̀ partir de sons issus d’une recherche instrumentale qui a comme objectif la force et l’unicité́ de la matière sonore. Il crée des modes de jeux inhabituels en utilisant, parfois,
des accessoires pour obtenir des sonorités nouvelles. L’ensemble instrumental devient ainsi un espace chargé d’une nouvelle aura. Il travaille actuellement sur une pièce pour piano et transducteurs, et commence un projet de musique biophysiologique avec des danseurs, des interprètes et des musiciens. Il y développe, en particulier, un dispositif de reconnaissance physiologique et émotionnelle (LISTEN).

Palumbo

Raphael Panis

Passionné de musique, compositeur de musique électroacoustique, j’ai suivi plusieurs des stages professionnels dispensés par l’IRCAM.
Désirant faire un pas supplémentaire en direction du monde de la musique, j’ai décidé de suivre la formation de MASTER 2 RIM délivrée par l’Université de St Etienne.

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Hervé Porcedda

Né de parents coopérants en Afrique du Nord, ma jeunesse défile dans la douceur et la joie des climats Marocains et familiaux, fin des années 70, la vie se poursuit dans l’Afrique Subsaharienne découvrant les premiers rythmes des musiques ethniques ivoiriennes lors d’émissions sur la RTI (Radio télévision ivoirienne) et le reggae de Marley. L’adolescence pointe son nez avec un retour en France, il arriva parfois de faire le mur pour animer des émissions à Radio Epernay Champagne sur le reggae. Le goût pour la musique chatouille mes oreilles mais malgré des cours de piano on me fait vite comprendre que ma voie ne fera pas dans la musique. Après différents échecs scolaires et redoublement dans les formations techniques des machines outils, un profil commercial se profile. Cependant à l’âge de 16 ans, j’organise un festival de musique moderne sur le parking du supermarché de mes parents dans la ville de Remiremont, Le monde de la musique me rappelle et mon amour de la musique se limite à l’écoute et la découverte d’artistes. Un de mes premiers achat dans l’Hôtel Ivoire d’Abidjan fut l’album “Dark Side of the Moon” j’avais découvert ce groupe lors d’une visite en France chez l’oncle d’un ami qui avait acheté le premier lecteur CD avec le double album des Pink Floyd “The Wall”. Ce groupe de rock progressif m’accompagne depuis ma plus tendre enfance et m’accompagnera dans mon introversion et ma différence jusqu’à l’âge de 45 ans. Mon invention autour de la transformation des mots en fréquences Hz se construira avec le temps (entre 1992 et 2018) et l’apprentissage du solfège, la musique ainsi que la rencontre de compositeurs à l’Ircam comme Karim Haddad et Patrick Marcland qui fut important pour moi.

Mina Rafiee

My body of work explores innovative human/ non-human centered experiences through interactions with objects, spimes, spaces and environments. Emphasizing on micro scale of human interactions with events and “things”, I’m interested to create haptic immersive experiences by fully engaging human senses in exploration of my physical and sonic installations.
With a background in architecture, photography, design and technology(graduated from Pratt Institute 2012 and Parsons Design technology 2017) , my range of projects focus on exploring and designing immersive experiments and experiences for both humans and non- humans with their environments. Through my design proposal, I constantly re-imagine the ways one can interact and investigate his/ her/ its environment in both macro and macro scale. In my project “ Void” I created a sonic, haptic and augmented sculpture exposing it’s participants to different auditory spatial experiences through their body movement and haptic sense by interacting with a physical sculpture. As an emerging artist I am very much interested to expand the scale of my projects and being able to test/ fabricate them in larger scale to engage larger number of people. What matters in these types of interactions is the body movement of subjects in space, their interactions with installations and the memories they create in such constructed, natural/ artificial environment. Other than instant interactions with my installations I am interested to create conversations between artists, architects, engineers and anthropologists in order to address and discuss the need to step away from human centric design. By being able to imagine a different perspective from non- human perspective, and being able to convey the feeling of being a rock, river or a forests. In other word do we live in our world if we were able to feel how other spices would feel? In my multidisciplinary practice I make physical objects, short films, speculative objects/ landscapes, soundscapes, collages to engage my audience with my anthropocentric dilemmas.

Rafiee

Antoine Schmitt

Artiste plasticien, Antoine Schmitt crée des oeuvres sous forme d’objets, d’installations et de situations pour traiter des processus du mouvement et en questionner les problématiques intrinsèques, de nature plastique, philosophique ou sociale. Héritier de l’art cinétique et de l’art cybernétique, nourri de science-fiction métaphysique, il interroge inlassablement les interactions dynamiques entre nature humaine et nature de la réalité. À l’origine ingénieur programmeur en relations homme-machine et en intelligence artificielle, il place maintenant le programme, matériau artistique contemporain et unique par sa qualité active, au coeur de ses créations pour révéler et littéralement manipuler les forces à l’oeuvre. Avec une esthétique précise et minimale, il pose la question du mouvement, de ses causes et de ses formes. Antoine Schmitt a aussi entrepris d’articuler cette approche à des champs artistiques plus établis comme la danse, la musique, le cinéma, l’architecture ou la littérature, et a collaboré avec Franck Vigroux, Atau Tanaka, Vincent Epplay, Jean-Jacques Birgé, Delphine Doukhan, K.Danse, Patrice Belin, Don Nino, Cubenx, Alberto Sorbelli, Matthew Bourne… Comme théoricien, conférencier et éditeur du portail gratin.org, il explore le champ de l’art programmé.

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Norbert Schnell

Norbert Schnell est professeur de Music Design à la faculté de Médias Numériques de l’Université Furtwangen depuis l’automne 2017. Il a étudié l’ingénierie sonore à l’Université de Musique et à l’Université Technique de Graz avant de rejoindre l’IRCAM en tant que chercheur et développeur dans le domaine du traitement audio numérique interactif et de la conception d’interaction. Il a présidé la 6e conférence internationale New Interfaces for Musical Expression (NIME 2006) et la première Web Audio Conference (WAC 2015). En 2013, il a obtenu son doctorat sur les aspects clés du design sonore et interactif avec des sons enregistrés. Au cours des dernières années, il a coordonné le projet CoSiMa explorant les interactions collectives dans le contexte des projets participatifs artistiques et musicaux, des médias numériques collaboratifs et de la pédagogie musicale basée sur les technologies mobiles et web.

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Diemo Schwarz

Diemo Schwarz, born in Germany in 1969, is a researcher and developer at Ircam (Institut de Recherche et Coordination Acoustique-Musique, Paris), composer of electronic music, and musician on drums and laptop. His research work includes improving interaction between musician and computer, and exploiting large masses of sound for interactive real-time sound synthesis, collaborating with composers such as Philippe Manoury, Dai Fujikura, Stefano Gervasoni, Pierre Jodlowski, Aaron Einbond, Sam Britton. He holds a PhD in computer science applied to music, awarded in 2004 for the development of a new method of corpus-based concatenative musical sound synthesis by unit selection from a large soundbase. His compositions and live performances—under the name of his solo project Mean Time Between Failure, or improvising with musicians such as George Lewis, Evan Parker, Frédéric Blondy, Victoria Johnson, Etienne Brunet,Luka Juhart, Pierre-Alexander Tremblay—explore the possibilities of corpus-based concatenative synthesis to re-contextualise any sound source by rearranging sound units into a new musical framework using interactive navigation through a sound space.

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Hugo Silva

Hugo estime qu’il fait partie des personnes qui ont la chance de ne pas beaucoup travailler, non pas par manque de travail mais parce que quand on fait quelque chose que l’on aime et pour lequel on est passionné chaque jour, alors il n’existe quasiment aucune frontière entre ce qui est considéré comme du travail et ce qui est considéré comme du divertissement. Il a obtenu un doctorat en ingénierie électronique et informatique à l’Université de Lisbonne. Depuis 2004, Hugo est chercheur à l’IT – Institut de télécommunications. Hugo est aussi le co-fondateur de PLUX – Wireless Biosignalsis  (http://www.plux.info), créé en 2007 en tant qu’entreprise basée sur l’innovation technologique et qui opère dans le champ de produits médicaux pour la santé et la qualité de vie, où il est actuellement membre du comité et conseiller en innovation. Plus récemment, il a travaillé activement à rendre le monde un peu plus “physiologique” avec BITalino un logiciel open source et un hardware”boîte à outils” low-cost qui permet à n’importe qui (les étudiants comme les développeurs d’app professionnels) de créer des projets col et des applications avec des capteurs physiologiques.that allows anyone from students to professional app developers, to create cool projects and applications with physiological sensors. Ses principaux axes d’intérêts comprennent l’informatique physiologique (biosignals), l’ingénierie du système, le traitement du signal et la reconnaissance de formes.

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Tristan Soreau

Tristan Soreau est diplômé de l’École Supérieure des Beaux-Arts du Mans en design sonore et en design d’espace. Il tente dans sa pratique de trouver un point de rencontre entre le son, le travail du volume et certaines technologies émergentes dans l’espoir d’offrir des expériences sensorielles nouvelles.

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Franck Vigroux

Artiste protéiforme il évolue dans un univers où se croisent musique, théâtre, danse et vidéo. Prolixe et sans barrières de styles il parcourt un temps les scènes des musiques expérimentales, improvisées ou électronique noise. Après avoir réalisé des «albums concepts», des films expérimentaux, collaboré avec des auteurs de théâtre, poètes sonores et autres chorégraphes, il s’intéresse de plus en plus aux formes audiovisuelles live et à l’écriture de plateau, ce qui le mène peu à peu à mettre en scène sa musique à travers des spectacles pluridisciplinaires à la lisières de arts plastiques. A partir de 2010, il monte ses premières productions associé à la compagnie d’Autres Cordes. Il collabore avec des auteurs, musiciens, dramaturges et metteurs en scène tels que Mika Vainio, Reinhold Friedl, Laurent Gaudé, Michel Simonot, Kenji Siratori, Ben Miller, Alexis Forestier, ou encore des artistes vidéo ou plasticiens tels Antoine Schmitt, Kurt d’Haeseleer ou Félicie d’Estienne d’Orves. Ses disques sont édités par les labels DAC Records, Radio France Signature, Leaf, Cosmo Rhythmatic, Erototox.

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David Zicarelli

David Zicarelli is the founder and CEO of Cycling ’74. He has been working on Max since 1989.

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